Вода +25°C
Штиль, высота волн до 0,2 м
 
Люди

Интервью с
Сашей Фроловой

Ее знают как королеву эпатажа, она яркая и необычная.
Латекс и воздух – ее секрет!
Саша Фролова родилась, живет и работает в Москве. Работает в жанре скульптуры и перформанса. Окончила Национальный институт дизайна при Союзе дизайнеров Роcсии и Институт проблем современного искусства. В 2009 году она попала в шорт-лист молодежной номинации Премии Кандинского с работой LOVEMEBLASTER, которая должна «любовь превратить в основной источник энергии» — электромагнитной, световой и гравитационной. Саша – финалист международной премии ARTE LAGUNA 12.13 (Венеция), в 2014 году вошла в рейтинг самых перспективных молодых художников по версии The Art Newspaper Russia, в том же году победила на конкурсе «Альтернативная мисс мира» и сейчас она – «царствующая королева».
А в этом году ее пригласили выступать на своей вечеринке Доменико Дольче и Стефано Габбана.

Саша Фролова создает образы, которыми хочется любоваться, как предметом
искусства, они ярки и воздушны.
Как вы считаете, нужно ли вообще сегодня иметь классическое
художественное образование, если смотреть на мир современного искусства в целом? И на все, что продается на рынке современного искусства?
Конечно, знать классические основы для художника необходимо. Но очень важно
в процессе обучения не загнать своё сознание в жёсткие рамки, сохранить его свободу
и гибкость. На мой взгляд, самым эффективным способом обучения сегодня является собственный опыт, а также забытый в наши дни способ «от мастера – ученику». Именно этот принцип обучения оказался для меня самым лучшим, именно так я обучалась у Бартенева и стала на многие годы его «ученицей». Это классический метод обучения искусству эпохи Возрождения, когда молодой художник работал в мастерской у мастера, выполняя сначала подручную техническую работу, а затем его заказы. Постепенно он начинал заниматься непосредственно рисованием и живописью, копируя работы учителя и ставшие образцами произведения других художников, получал советы и указания как от самого мастера, так и от старших, более опытных учеников.

В ту эпоху, в первую очередь, учили самому главному – творческому методу, осмыслению задачи, последовательности в работе. Обучение проходило в мастерской художника. Опытные мастера – знаменитые художники – набирали сравнительно небольшое количество учеников, с которыми вели занятия. Мастер учил ученика, ставя его «лицом к делу». Таким образом, обучение изобразительному искусству было построено на практической основе, на прямом творческом общении молодежи с художником-педагогом.
Ваши произведения всегда сочные и жизнерадостные. Чем для вас является цвет?
Цвет – это прежде всего мощный носитель информации. Я люблю использовать яркие
и чистые цвета, но иногда в некоторых работах специально отказываюсь от цвета, когда необходимо сделать акцент на форму. Чаще всего скульптура придумывается сразу в определенном цвете, форма и цвет очень связаны. Но также у меня есть формы, которые я повторяю в разных цветах. Все мои скульптуры позитивные, яркие, вызывающие эмоции, и в этом цвет всегда является удобным инструментом.
Вы всегда имеете оригинальный подход к предмету и деталям, это видно и по вашему стилю одежды. Опишите, какой он – ваш стиль?
Я всегда стремлюсь создавать уникальные образы и стараюсь не повторяться. Мне интересно экспериментировать с собственным образом и стилем, искать что-то новое. Большинство предметов одежды я шью на заказ по собственному дизайну. Мне это кажется более интересным, чем пойти в магазин и выбрать что-то готовое. Я чаще всего слишком четко вижу свои образы и мне сложно подобрать одежду под них, легче сшить. Иногда, правда, бывает, что влюбляюсь в определенные вещи других дизайнеров и это всегда счастье. Я дружу со многими дизайнерами и люблю носить их одежду. Очень люблю платья Светланы Тегин, я с ними необыкновенно хорошо сочетаюсь. Много лет дружу с Константином Гайдаем и с удовольствием и гордостью ношу его шляпки. Вообще я очень люблю шляпки, это большая редкость в наши дни, когда женщина носит шляпку, у меня уже есть своя небольшая коллекция. Несколько лет назад мне посчастливилось познакомиться с Филиппом Трейси, и он подарил мне одну из своих гениальных шляпок.
Улыбка и Любовь. Любовь – вечная тема искусства, и в нашем случае она превращается в информационный канал, в источник творчества, в топливо этого внутреннего перпетуум-мобиля. Это и есть наш способ соединения с Небом.
— Саша Фролова
Художник, вдохновивший вас больше всего?
Мои любимые художники – Anish Kapoor, Tony Gragg, Mariko Mori. Меня очень
вдохновляют японские современные художники и вообще Япония и тип мышления
японцев. Я вдохновляюсь также искусством мастеров Ренессанса и барокко. Иногда источником вдохновения может послужить и текст, и музыкальное произведение, и просто форма облака или цвет неба. Но больше всего на меня повлияло, конечно же, знакомство и работа с Андреем Бартеневым.

Я была ассистентом Бартенева в течение 10 лет, но первый перформанс сделала уже через два месяца после знакомства с ним. Андрей вселял такую мощь вдохновения и при этом доверял такую ответственность, от осознания которой захватывало дух. Мы сразу погружались в атмосферу «делания», заражались этим азартом и жаждой творения. Включалось какое-то неуемное любопытство к жизни, к искусству, хотелось смотреть, узнавать, пробовать, делать! Андрей на меня действовал и действует до сих пор как некий небесный переключатель: щёлк – и внутри включается некий дополнительный двигатель, моторчик творчества, а потом оказывается, что это настоящая турбина, которая выносит тебя в совсем иную искрящуюся жизнь, к новым возможностям, новому удивительному горизонту... Да, это нескончаемый труд, это процесс без сна и отдыха 25 часов в сутки, твоя жизнь превращается в искусство, ты забываешь есть и пить, а во снах тебе снятся новые стихи, скульптуры, перформансы, картины, приходят образы новых произведений.
Как тебе идея «тотального музея», а именно того, что современное искусство давно распространилось за пределы стен классического музея и заполнило мир вокруг нас? Например, Бэнкси, который превратил стены зданий
в высокохудожественные объекты.
Мне так же нравится выставлять свои скульптуры не только в музеях и галереях, но и в общественных публичных пространствах – в парках, торговых центрах. Так люди знакомятся с современным искусством в своей повседневной жизни и им не
обязательно специально для этого идти в музей. Они привыкают и учатся правильно воспринимать современное искусство. Этим летом для острова Новая Голландия в Санкт-Петербурге я создала новую скульптуру-батут Air Island. Это моя первая масштабная интерактивная скульптура, по которой можно ходить, на которой можно лежать и сидеть. Она была доступна для посетителей до 30 сентября.
Не так давно вы приняли участие в замечательном проекте «Большая опера» на телеканале «Культура». Что в данном проекте запомнилось больше всего?
Я два сезона работала в роли художника этого проекта. Первый сезон – совместно с художником Венерой Казаровой, а второй сезон самостоятельно. Вместе с
режиссером проекта Кириллом Сбитневым мы экспериментировали и пытались
оживить консервативный оперный стиль. Чтобы за счет современной и яркой подачи оперу стало интересно смотреть в том числе людям, мало знакомым с этим жанром, чтобы привлечь более широкую аудиторию. На сцене появлялись и мои надувные латексные скульптуры, и животные, и роботы, и инопланетяне. Я очень благодарна руководству канала за доверие и за предоставленную творческую свободу. Сейчас я работаю над созданием костюмов для новой постановки оперы «Волшебная флейта» Моцарта в театре «Геликон-опера» в Москве. Премьера намечена на ноябрь этого года. Мне очень хочется продолжить работать в музыкальном театре и я надеюсь, что мне представится ещё такая возможность.